Arte Moderna

A Arte Moderna significou uma grande mudança nos padrões artísticos, primeiro na Europa do século XX e depois no mundo afora.

Durante o século XX, a humanidade passou por grandes transformações que seriam refletidas em todas as manifestações artísticas desse período.

A eclosão das duas guerras mundiais e seus avanços tecnológicos, o surgimento de novas teorias, tais como a Psicanálise e a Teoria da Relatividade, o nascimento do cinema, a popularização da fotografia e a eletricidade são apenas algumas dessas transformações do século XX que mudaram radicalmente a sociedade e o modo de o indivíduo entender a si próprio.

Em meio a tantas mudanças os artistas europeus desse período buscaram refletir e compreender essas transformações (sociais, econômicas, culturais) das mais diferentes maneiras, desprezando o modo clássico de beleza e estética.

E é esse novo modo de fazer arte que chamamos de Arte Moderna, movimento iniciado na Europa.

Pois, foi primeiramente em Paris, do final do século XIX ao início do século XX, que artistas e intelectuais criaram diversas teorias e manifestos artísticos buscando compreender e até criticar essa nova sociedade que nascia, mais tecnológica e capitalista do que nunca.

Características da Arte Moderna

  • Liberdade de criação: permitiu aos artistas a influência de vários movimentos em uma obra.
  • Novas concepções de espaço: sem a preocupação de retratar a realidade de modo fidedigno, os artistas passaram a explorar novos pontos de vista em seus trabalhos.
  • Maior valorização da criação artística em detrimento do tema: para os artistas modernos passa a ser apenas um pretexto para a criação e não o seu fim.
  • Novas experimentações técnicas e de materiais: como por exemplo, o uso de colagens.
  • Povos não europeus incorporados como referências artísticas: contemplando a arte africana e oriental, por exemplo.

Movimentos e artistas da Arte Moderna

Os principais movimentos da Arte Moderna foram: Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Expressionismo, Dadaísmo, Surrealismo e Abstracionismo.

Fauvismo

Imagem: reprodução

O Fauvismo (início do século XX) tem como uma das suas principais características a expressão pictórica, isto é, a representação da aparência visual do sujeito.

Nesse movimento, as cores são usadas com intensidade e as formas são simplificadas. Considerado um dos movimentos menos engajados em temas sociais ou políticos, eram temas recorrentes no Fauvismo sentimentos como alegria e contentamento, sempre com enaltecimento das cores puras.

Principais artistas do Fauvismo: Henri Matisse (1869 — 1954); Maurice de Vlaminck (1876 — 1958); André Derain (1880 — 1954); Othon Friesz (1879 — 1949).

Cubismo

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Influenciados pelo pintor Paul Cezànne e seus estudos sobre as formas, o Cubismo desenvolvido por Pablo Picasso e Georges Braque, abandonou as noções tradicionais de perspectiva e de imitação da natureza.

Desse modo, os artistas cubistas buscaram novas maneiras de retratar o mundo a sua volta, com grande valorização das formas geométricas e retratando pessoas e objetos de modo singular: partidos, em múltiplas dimensões ou em ângulos inusitados, refletindo os diversos pontos de vista de observação do artista.

Principais artistas do Cubismo: Pablo Picasso (1881 — 1973); Georges Braque (1882 — 1963); Fernand Léger (1881 — 1955); Juan Gris (1887 — 1927).

Futurismo

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O Futurismo tinha como principal característica a defesa do novo e via na guerra e na violência seu motor de propulsão.

Nesse movimento artístico, a arte tipográfica ganhou espaço enquanto Filippo Marinneti, responsável pelo Manifesto Futurista, se identificava com os ideais fascistas do período.

Embora o movimento tenha se enfraquecido após a Primeira Guerra Mundial, o Futurismo pôde ser sentido em movimentos artísticos que vieram a seguir tais como o Dadaísmo e o Concretismo.

Principais artistas do Futurismo: Luigi Russolo (1885 — 1947); Umberto Boccioni (1882 — 1916); José Sobral de Almada (1893 — 1970).

Expressionismo

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Assim como o próprio nome sugere, essa corrente artística buscou a expressão emocional de seus artistas já cansados do tradicionalismo acadêmico.

Dessa maneira, esses artistas procuraram se expressar alterando princípios convencionais da arte em suas visões particulares de mundo, carregados de dramaticidade.

Para tanto, os mestres do Expressionismo utilizaram de modo bastante acentuado as cores fortes, vivas e vibrantes em linhas e traços bem delimitados.

O Expressionismo se expandiu para outras formas de arte como o cinema, principalmente o alemão e russo, do início do século XX, mais precisamente a partir de 1920.

Essas películas expressionistas, ainda que em preto e branco, também estavam repletas de dramaticidade, pois faziam o uso da exagero expressivo

Principais artistas do Expressionismo: Edvard Munch (1863 — 1944); Wassily Kandinsky ( 1866 — 1944); Paul Klee (1879 — 1940); Franz Marc (1880 — 1916).

Dadaísmo

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O Dadaísmo surgiu da não conformidade de artistas plásticos e escritores refugiados em Zurique durante a Primeira Guerra Mundial, em 1916.

“Dadá”, palavra escolhida aleatoriamente pelo poeto romeno Tristan Tzara, evidenciava o que os artistas desse movimento buscavam expressar: o sentimento de esvaziamento de sentidos perante os horrores da guerra.

Segundo a lógica dadaísta, se o mundo não faz mais sentido, a arte também não deve fazer. Assim, ao compor obras que não sugeriam coerência alguma, esses artistas estavam protestando contra a ordem vigente.

Principais artistas do Dadaísmo: Marcel Duchamp (1887 — 1968); Francis Picabia (1879 — 1953); Man Ray (1890 — 1977).

Surrealismo

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O Movimento Surrealista que surgiu em Paris em 1924, valorizou como nenhum outro movimento a Psicanálise de Sigmund Freud que estudava o subconsciente presente nos sonhos.

Os surrealistas pouco estavam preocupados com padrões estéticos, lógica, razão ou questões sociais.

O foco desses artistas estava nos sentimentos íntimos de cada artista, assim, as obras que reúnem técnicas das mais diversas em telas que fogem à lógica, eram, na verdade, representações de seus universos particulares.

Principais artistas do Surrealismo: Salvador Dali (1904 – 1989); René Magritte (1898 ― 1967); Marc Chagall (1893 – 1983); Joan Miró (1893 — 1983).

Abstracionismo

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O termo “abstrato” é usado para designar obras de arte que não possuem relação direta com a realidade dos objetos, valendo-se muitas vezes de manchas, linhas, cores e formas indefinidas.

Os artistas abstracionistas afastaram-se da percepção da arte tradicional, criando obras nas quais não identificamos de forma imediata o que está sendo representado.

Esse movimento artístico foi ainda divido em duas vertentes: o Abstracionismo Informal (sem o uso de figuras geométricas) e o Abstracionismo Geométrico (no qual a base da disposição na tela é formada por linhas e formas geométricas).

Principais artistas do Abstracionismo: Kazimir Malevich (1878 — 1935); Piet Mondrian (1878 — 1944); Vassily Kandinsky (1866 — 1944).

Arte Moderna no Brasil

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No Brasil, as novas tendências da arte se manifestaram diretamente da Semana da Arte Moderna de 1922.

Realizada no Teatro Municipal de São Paulo, a Semana de Arte Moderna foi um grande evento catalizador de toda essa ebulição cultural por que passava a Europa.

Nesse evento participaram os mais diversos gêneros artísticos tais como escritores, artistas plásticos, músicos e poetas.

Se na Europa o Modernismo foi responsável por alterar os rumos da arte clássica e questionar a sociedade, aqui não foi diferente, pois, até o momento, nosso país ainda se encontrava imerso no período Neoclássico, bastante focado em representações idealizadas da realidade.

Sobretudo, a Arte Moderna no Brasil, propôs o rompimento com qualquer academicismo artístico e, principalmente, a valorização da identidade nacional indo até as suas raízes.

Assim, as tradições, crenças, costumes e o folclore do Brasil passaram a ser valorizados nesse novo modo de se conceber a arte.

Principais artistas da Arte Moderna no Brasil

A difusão no contexto artístico brasileiro das novas estéticas europeias contou com artistas envolvidos nas mais variadas expressões artísticas. Confira abaixo.

  • Artes plásticas: Anita Malfatti (1889 — 1964); Di Cavalcanti (1897 — 1976); Tarsila do Amaral (1886 — 1973).
  • Literatura: Mário de Andrade (1893 — 1945); Oswald de Andrade (1890 — 1954); Manuel Bandeira (1886 —1968); Clarice Lispector (1920 — 1977); Monteiro Lobato (1882 — 1948).
  • Música: Rogério Duprat (1932 — 2006); Nara Leão (1942 — 1989); Caetano Veloso (1942); Rita Lee (1947).

Refletindo em vários âmbitos artísticos – pinturas, arquitetura, literatura, música ou design -, a Arte Moderna tem características peculiares e visionárias, que buscavam quebrar com o clássico através de uma nova identidade.

Referências

História da Arte – Graça Proença
História da Arte – E. H. Gombrich
Isso é arte? – Will Gompertz

Luana Bernardes
Por Luana Bernardes

Graduada em História pela Universidade Estadual de Maringá (UEM) e pós-graduada em Psicopedagogia Institucional e Clínica pela mesma Universidade.

Exercícios resolvidos

1. [PUC]

A Semana de Arte Moderna (1922), expressão de um movimento cultural que atingiu todas as nossas manifestações artísticas, surgiu de uma rejeição ao chamado colonialismo mental, pregava uma maior fidelidade à realidade brasileira e valorizava sobretudo o regionalismo. Com isso, pode-se dizer que:

a) romance regional assumiu características de exaltação, retratando os aspectos românticos da vida sertaneja.

b) a escultura e a pintura tiveram seu apogeu com a valorização dos modelos clássicos.

c) movimento redescobriu o Brasil, revitalizando os temas nacionais e reinterpretando nossa realidade.

d) os modelos arquitetônicos do período buscaram sua inspiração na tradição do barroco português.

e) a preocupação dominante dos autores foi com o retratar os males da colonização.

Resposta: C
a Arte Moderna no Brasil, propôs o rompimento com qualquer academicismo artístico e, principalmente, a valorização da identidade nacional através do reconhecimento das tradições, costumes, crenças e folclore do país.

2. [ENEM]

Após estudar na Europa, Anita Malfatti retornou ao Brasil com uma mostra que abalou a cultura nacional do início do século XX. Elogiada por seus mestres na Europa, Anita se considerava pronta para mostrar seu trabalho no Brasil, mas enfrentou as duras críticas de Monteiro Lobato. Com a intenção de criar uma arte que valorizasse a cultura brasileira, Anita Malfatti e outros modernistas

a) buscaram libertar a arte brasileira das normas acadêmicas europeias, valorizando as cores, a originalidade e os temas nacionais.

b) defenderam a liberdade limitada de uso da cor, até então utilizada de forma irrestrita, afetando a criação artística nacional.

c) representavam a ideia de que a arte deveria copiar fielmente a natureza, tendo como finalidade a prática educativa.

d) mantiveram de forma fiel a realidade nas figuras retratadas, defendendo uma liberdade artística ligada à tradição acadêmica.

e) buscaram a liberdade na composição de suas figuras, respeitando limites de temas abordados.

Resposta: A
Após seu período na Europa, a artista plástica Anita Malfati retornou ao Brasil buscando expressar em seus trabalhos a valorização da identidade nacional.

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